Sanat Dönemleri – Sanat Tarihi Zaman Çizelgesi’ne Ayrıntılı Bir Bakış

Biz insanlar ellerimizi kullanabildiğimiz sürece sanat yaratıyoruz. İlk mağara resimlerinden Sistine Şapeli’nin tavanına kadar, insanın sanatsal ifadesi, onu yaratan insanların yaşamları hakkında bize çok şey anlatabilir. Farklı sanat eserlerinin kültürel, sosyal ve tarihsel önemini tam olarak anlamak için geniş sanat tarihi zaman çizelgesinin farkında olmanız gerekir. Bu makale, sanat yaratımının birçok önemli dönemine ve bunların içinden çıktığı tarihsel bağlamlara genel bir bakış sunmaktadır. 

Sanat Dönemleri: Nereden Başlamalı?

İnsanoğlu, kendisinin bilincinde olduğu sürece, bu benliği temsil etmek için sanat üretmektedir. Bildiğimiz en eski mağara resimleri kabaca 40.000 yıl önce yapılmıştır. Kayaların altında ve mağaralarda Paleolitik Çağ’dan insan faaliyetlerinin resimlerini ve çizimlerini bulduk. Bu ilk insanların sanat üretmeye başlamalarının nedenini tam olarak bilemeyiz. Belki de resim ve çizim onların yaşadıkları deneyimlerini kaydetmenin, küçük çocuklara hikayeler anlatmanın ya da bilgeliği bir nesilden diğerine aktarmanın bir yoluydu.

Erken sanatsal ifadenin bu enfes örneklerine sahip olmamıza rağmen, resmi sanat dönemleri tarihi ancak Romanesk Dönem ile başlar. Resmi sanat dönemi zaman çizelgeleri, mağara resimleri, heykeller ve taş devrinden kalma diğer sanat eserlerini veya MÖ 2000 civarında Mısır ve Girit’te üretilen güzel freskleri içermez. Bu kararın arkasındaki neden, sanatsal ifadenin bu erken dönemlerinin nispeten küçük bir coğrafi alana bağlı olmasıdır. Bugün tartışacağımız resmi sanat dönemleri, aksine, birçok ülkeye, genellikle tüm Avrupa’ya ve bazen de Kuzey ve Güney Amerika’ya yayılıyor.

Resmi olarak tanınmamalarına rağmen, insanın sanatsal yeteneğinin bu ilk örnekleri birçok ilginç soruyu gündeme getiriyor. Mağara resimlerinde tasvir edilen hayvanlar neden daha sonraki dönemlerde temsil edilen hayvanlardan çok daha gerçekçi ve canlı?

Bu makale, farklı sanat dönemlerinin karmaşıklığını keşfederken, insanın yaratıcı zihninin sürekli değişen sanatsal tarzı hakkında size bir fikir vermeyi umuyor.

Sanat Dönemleri Zaman Çizelgesi’ne Kısa Bir Bakış

İnsanlık tarihinin birçok alanında olduğu gibi, farklı sanat dönemlerini kesin olarak tasvir etmek imkansızdır. Aşağıdaki parantez içinde verilen tarihler, her bir hareketin çeşitli ülkelerdeki ilerlemesine dayanan yaklaşık değerlerdir. Sanat dönemlerinin çoğu, aynı zamanda meydana gelen daha yakın dönemlerin bazıları ile önemli ölçüde örtüşmektedir. Bazı dönemler birkaç bin yıl sürer, diğerleri ise ondan daha az sürer. Sanat, daha yakın dönemlerin mevcut olanlardan büyüdüğü sürekli bir keşif sürecidir.

Sanat Dönemi	yıllar
Romanesk	100 – 1150
Gotik	1140 – 1600
Rönesans	1495 – 1527
davranış	1520 – 1600
Barok	1600 – 1725
Rokoko	1720 – 1760
neoklasizm	1770 – 1840
Romantizm	1800 – 1850
gerçekçilik	1840 – 1870
Ön-Rafaelit	1848 – 1854
İzlenimcilik	1870 – 1900
natüralizm	1880 – 1900
Post-Empresyonizm	1880 – 1920
sembolizm	1880 – 1910
Dışavurumculuk	1890 – 1939
Sanat Noveau	1895 – 1915
Kübizm	1905 – 1939
Fütürizm	1909 – 1918
dadaizm	1912 – 1923
Yeni Objektiflik	1918 – 1933
kesinlik	1920 – 1950
Art Deco	1920 – 1935
Bauhaus	1920 – 1925
sürrealizm	1924 – 1945
Soyut Dışavurumculuk	1945 – 1960
Pop-Art / Op Art	1956 – 1969
Arte Povera	1960 – 1969
minimalizm	1960 – 1975
fotogerçekçilik	1968 – şimdi
Pop Sürrealizm	1970 – şimdi
Çağdaş sanat	1978 – şimdi

Sanat dönemi zaman çizelgesine ilişkin açıklamamızın 30 yıl önce sona ermesi garip görünebilir. Bir sanat çağı kavramı, 21. yüzyılın başından beri gelişen çeşitli sanatsal tarzları yakalamak için yetersiz görünüyor. Bazı sanat tarihçileri arasında, hızlı yaşam çağımızda geleneksel resim kavramının öldüğüne dair bir his var. Bu duruşu kabul etmiyoruz. Bunun yerine, mağara insanlarının yaptığı gibi, modern sınıflandırma sistemimizin dışında, eşsiz insan deneyimlerimizi sanat ortamıyla paylaşmaya devam ediyoruz.

Kapsamlı Bir Sanat Hareketi Zaman Çizelgesi

Yukarıda sunduğumuz farklı sanat dönemlerinin her birinin sosyal, kültürel ve tarihsel bağlamlarına biraz daha derinlemesine dalmanın zamanı geldi. Kendilerinden öncekilerden ne kadar çok çağın etkilendiğini göreceksiniz. Sanat, insan bilinci gibi, sürekli olarak gelişmektedir. Bu sanat zaman çizelgesinin Batı ve ağırlıklı olarak Avrupa sanatının tarihi olduğunu da belirtmek önemlidir.

Romanesk Dönem (1000-1300): Sanat Yoluyla Bilgi Paylaşımı

Sanat tarihçileri tipik olarak Romanesk sanat dönemini sanat tarihi zaman çizelgesinin başlangıcı olarak görürler. Romanesk sanat, Hıristiyanlığın yükselişi sırasında gelişti. 1000 AD. Bu süre zarfında, Avrupa nüfusunun sadece küçük bir yüzdesi okuryazardı. Hıristiyan kilisesinin bakanları tipik olarak bu azınlığın parçasıydı ve İncil’in mesajını yaymak için alternatif bir yönteme ihtiyaçları vardı.

Romanesk resimlerin çoğunun özel konusu Hristiyan nesneler, hikayeler, tanrılar, azizler ve törenlerdi. Kitlelere Hıristiyan Kilisesi’nin değerleri ve inançları hakkında bilgi vermeyi amaçlayan Romanesk resimlerin basit ve okunması kolay olması gerekiyordu.

Sonuç olarak, Romanesk sanat eserleri cesur konturlar ve temiz renk alanları ile basittir. Romanesk resimlerde herhangi bir perspektif derinliği yoktur ve görüntüler nadiren doğal sahnelerden oluşur. Duvar resimleri, mozaikler, panel resimleri ve kitap resimleri dahil olmak üzere Romanesk resimlerin alabileceği birkaç farklı form vardı.

Romanesk resimlerin arkasındaki Hristiyan amacı nedeniyle, neredeyse her zaman semboliktirler. Resimlerdeki figürlerin nispi önemi, daha önemli figürlerin çok daha büyük görünmesiyle, büyüklükleriyle gösterilir. İnsan yüzlerinin genellikle çarpık olduğunu ve bu resimlerde tasvir edilen hikayelerin yüksek bir duygusal değere sahip olma eğiliminde olduğunu görebilirsiniz. Romanesk resimler genellikle ejderhalar ve melekler gibi mitolojik yaratıkları içerir ve neredeyse her zaman kiliselerde görülür.

En temel düzeyde, Romanesk dönem resimleri İncil’in ve Hıristiyanlığın sözünü yayma amacına hizmet eder. Bu sanat döneminin adı, Roma mimarisinde kullanılan ve genellikle zamanın kiliselerinde bulunan yuvarlak kemerlerden kaynaklanmaktadır.

Gotik Dönem (1100-1500): Özgürlük ve Korku Bir Araya Geliyor

En ünlü dönemlerden biri olan Gotik sanat , Fransa’da Romanesk döneminden doğmuştur ve çağın iki zıt duygusunun bir ifadesidir. Bir yandan, insanlar yeni bir düşünce ve dini anlayış özgürlüğü seviyesini deneyimliyor ve kutluyorlardı. Öte yandan, dünyanın sonunun geldiğine dair bir korku vardı. Gotik dönem sanatında bu iki zıt gerilimin ifadesini net bir şekilde görebilirsiniz.

Gotik resimler , tarlalarda çalışmak ve avlanmak gibi gerçek insan hayatından sahneleri tasvir ediyordu. Odak, insan olmanın ne anlama geldiğinin inceliklerine daha fazla odaklanıldığı için ilahi varlıklardan ve mistik yaratıklardan uzaklaştı.

Tıpkı Romanesk dönemde olduğu gibi, Gotik dönemin gerilimlerinin merkezinde Hristiyanlık yatar. Daha fazla düşünce özgürlüğü ortaya çıktıkça ve çoğu kişi uymaya karşı çıktıkça, resimlerin konuları daha çeşitli hale geldi. Kilisenin kalesi dağılmaya başladı.

Gotik dönemde insan figürleri çok daha fazla ilgi gördü. Gotik sanatçılar daha bireysel, daha az iki boyutlu ve daha az cansız hale geldikçe daha gerçekçi insan yüzleri ortaya çıkardılar. Üç boyutlu bir bakış açısının geliştirilmesinin bu değişimi kolaylaştırdığı düşünülmektedir. Ressamlar ayrıca güzel kıvrımlarla gerçekçi bir şekilde boyadıkları giysiler gibi kişisel değeri olan şeylere daha fazla dikkat ettiler.

Birçok tarihçi, Gotik çağda sanat konularının daha çeşitli olmasının sebebinin bir kısmının, kiliselerdeki resim için artan yüzey alanından kaynaklandığına inanıyor. Gotik kiliseler, bu zamanda artan özgürlük duygularını temsil ettiği düşünülen Romanesk dönemine göre daha genişti.

Yeni keşfedilen sanatsal ifade özgürlüğünün yanı sıra, dünyanın sonunun geldiğine dair derin bir korku vardı. Buna kiliseye olan inançta kademeli bir düşüşün eşlik ettiği ve bunun da sanatın kilisenin dışına yayılmasını teşvik etmiş olabileceği ileri sürülmektedir. Aslında, Gotik çağın sonlarına doğru Hieronymus von Bosch, Breughel ve diğerlerinin çalışmaları bir kiliseye yerleştirilmek için uygun değildi.

Romanesk dönemde resim yapan pek çok sanatçı tanımıyoruz, çünkü sanat onu kimin çizdiği değil, taşıdığı mesajla ilgiliydi. Böylece, kiliseden uzaklaşma, Giotto di Bondone de dahil olmak üzere Gotik dönemden tanınmış sanatçılardaki muazzam artışta da görülebilir . Fransa, İtalya, Almanya, Hollanda ve Avrupa’nın diğer bölgelerinde sanat okulları ortaya çıkmaya başladı.

Rönesans Dönemi (1420-1520): Gerçekte Hiç Varolmayan Bir Sanat Döneminin Yeniden Uyanışı

Rönesans dönemi, muhtemelen Michelangelo ve Leonardo da Vinci gibi sanatçıların en çok bilinenlerinden biridir. Bu çağ, ilham kaynağı olarak bireysel insana odaklanmaya devam etti ve antik Romalıların ve Yunanlıların sanat ve felsefesinden etkilendi. Rönesans kültürel bir yeniden doğuş olarak görülebilir.

Bu kültürel yeniden doğuşun bir parçası, insanların içinde yaşadığı doğal ve gerçekçi dünyaya yeniden odaklanılmasıydı. Üç boyutlu perspektif, Michelangelo’nun Davut  heykelinde uygun bir şekilde gösterildiği gibi, Rönesans sanatı için daha da önemli hale geldi  . Bu heykel, bilinçli olarak her açıdan görülmesi için yaratıldığı için eski Yunanlıların eserlerine geri döndü. Son iki çağın heykelleri iki boyutluydu ve sadece önden görülmesi gerekiyordu.

Aynı üç boyutlu perspektif, Rönesans dönemi resimlerine de taşındı. Yaklaşık 3000 yıl önce icat edilen fresklere Rönesans ressamları tarafından yeniden hayat verilmiştir . Sahneler daha karmaşık hale geldi ve insanların temsili çok daha incelikli hale geldi. Rönesans sanatçıları, gerçekçiliğe güçlü bir vurgu yaparak insan bedenlerini ve yüzlerini üç boyutlu olarak boyadılar. Rönesans döneminde kullanılan boya, tempera boyalardan yağlı boyalara geçişi de temsil ediyordu. Rönesans dönemi genellikle büyük Hollanda manzara resimlerinin başlangıcı olarak kabul edilir .

Maniyerizm (1520-1600): Kitsch’in Geleceğine Bir Pencere

Tabii ki, bu başlık kısmen şaka. Bu çağda üretilen sanatın tamamı bugün “kitsch” olarak anladığımız şey değildir. Bugün kitsch’ten anladığımız şey genellikle yapaydır, ucuza yapılır ve fazla ‘klasik’ tadı yoktur. Bunun yerine, bu dönemin sanatını kitsch olarak tanımlamamızın nedeni, onu karakterize eden görece aşırı abartıdan kaynaklanmaktadır. Rönesans döneminde yeni keşfedilen insan ifade özgürlüğünden kaynaklanan sanatçılar, kendi benzersiz ve bireysel sanatsal tarzlarını veya tarzlarını keşfetmeye başladılar.

Aslında Michelangelo’nun kendisi de bu dönemi diğerlerinden ayıran abartıdan muaf değil. Bazı sanat tarihçileri, daha sonraki tablolarından bazılarını Rönesans döneminin eserleri olarak görmezler. Duyguların ve insan jestlerinin ifadesi, hatta giyim eşyaları bile, tavırcı resimlerde kasıtlı olarak abartılıyor.

Rönesans stilini karakterize eden insan vücudunun küçük S-eğrisi, vücudun doğal olmayan bir bükülmesine dönüştürülür. Bu, Avrupa’nın dört bir yanından sanatçıları İtalya’daki doğum yerine çeken ilk Avrupa tarzıdır.

Barok Dönem (1590-1760): Gücün Yüceltilmesi ve Gözün Aldatılması

İnsanların hayatlarını ilahi olanın gücü üzerinde kutlayan sanatın ilerlemesi Barok çağa kadar devam etti. Krallar, prensler ve hatta papalar, kendi güçlerini ve prestijlerini Tanrı’nınkinden çok sanat yoluyla kutlanmasını tercih etmeye başladılar. Maniyerizmi sınıflandıran aşırı abartı, Barok döneminde de devam etti, resim sahneleri giderek gerçekçilikten uzak ve muhteşem hale geldi.

Barok resimler genellikle Kralların göğe yükseldiği, meleklerle karıştığı ve Tanrı’nın tanrısallığına ve gücüne daha da yaklaştığı sahneleri gösterirdi. Burada, insanın kendini önemsemesinin ilerleyişini gerçekten görebiliriz ve konu tamamen dini sembolizmden uzaklaşmasa da, kompozisyonlarda insan giderek artan bir şekilde merkezi güçtür.

Altın ve mermer gibi zenginliği ve statüyü yücelten yeni malzemeler, heykeller için değerli malzemeler haline geliyor. Açık ve koyu, sıcak ve soğuk renklerin karşıtları, iyi ve kötünün sembolleri, doğal olarak meydana gelenlerin ötesinde vurgulanır. Sanat, zenginliğinizi, gücünüzü ve statünüzü göstermenin bir yolu haline geldikçe, sanat akademilerinin sayıları arttı.

Rokoko Sanat Dönemi (1725-1780): Hafif ve Havadar, Bir Fransız Fantezi

Rokoko dönemine ait resimler, zamanın Fransız aristokrasisinin tipik bir örneğidir. Adı , “kabuk işi” anlamına gelen Fransızca rocaille kelimesinden geliyor. Barok dönemi karakterize eden katı formlar yumuşayarak ışık, hava ve arzuya dönüştü. Bu dönemin resimleri artık güçlü ve güçlü değil, hafif ve eğlenceliydi.

Renkler daha açık ve daha parlaktı, bazı durumlarda neredeyse şeffaftı. Tiepolo gibi bazı sanatçılar birçok kilisede freskler yaratmış olsa da, bu döneme ait birçok sanat eseri dini temaları ihmal etti.

Tıpkı dönemin Fransız aristokrasisinin tavrı gibi, Rokoko dönemi sanatı da toplumsal gerçeklikten tamamen kopmuştur . Çoban idili bu dönemin teması haline geldi ve hayatı ekonomik veya sosyal zorlukların kısıtlamaları olmaksızın hafif ve kaygısız olarak temsil etti.

Klasisizm (1770-1840): Klasik Zamanlara Geri Dönmek

Klasisizm, Rokoko dönemi gibi, Fransa’da 1770 civarında başladı. Ancak Rokoko döneminin aksine, Klasisizm daha eski, daha ciddi sanatsal ifade tarzlarına geri döndü. Rönesans dönemi gibi, Classisim de klasik Roma ve Yunan sanatından ilham aldı .

Klasisizm döneminde yaratılan sanat, katı biçimlere, iki boyutlu renklere ve insan figürlerine geri döndü. Bu resimlerin tonu şüphesiz katıydı. Renkler sembolizmlerini kaybetti. Bu çağda üretilen sanat, her milletin halkına vatanseverlik duygularını aşılamak için uluslararası olarak kullanıldı. Klasisizmin parçaları arasında Louis-Sieze, Empire ve Biedermeier bulunur.

Romantizm (1790-1850): Her Şeyin Şiddetinden Bir Mola

Bu sanat döneminin yaklaşık olarak Klasisizm ile aynı zamanda gerçekleştiği tarihlerden görebilirsiniz. Romantizm genellikle Klasisizmin sert doğasına karşı duygu yüklü bir tepki olarak görülür. Klasisizm döneminin katı ve gerçekçi doğasının aksine, Romantik dönemin resimleri çok daha duygusaldı.

Maddi olmayanın keşfi; duygular ve bilinçaltı, sahnenin merkezinde yer aldı. Bu sıralarda insanlar doğal dünyayı keşfetmek için yürüyüşe çıkmaya başladılar. Bununla birlikte, keşfetmeyi amaçladıkları doğal dünyanın gerçek gerçekliği değil, onlara hissettirdiği şeydi.

Romantizm dönemi sanatının somut veya kesin olarak belirlenebilir bir üslubu yoktur . İngiliz ve Fransız ressamlar, gölgelerin ve ışıkların etkilerine odaklanma eğilimindeyken, Alman ressamların ürettiği sanat , onlara daha fazla düşünce ağırlığına sahip olma eğilimindeydi. Romantik ressamlar, çevrelerindeki dünyayı yorumlamaları nedeniyle sık sık eleştirildi ve hatta alay edildi.

Gerçekçilik (1850-1925): Öznelliğe karşı nesnellik

Romantizm dönemi, kendisinden önceki Klasisizm dönemine gerici bir hareket olduğu gibi, Realizm de Romantizme bir tepkidir. Romantik resimlerin güzel ve derin duygusal içeriğinin aksine, Realist sanatçılar hem iyiyi hem de güzeli, çirkini ve kötüyü sundular. Dünyanın gerçekliği, Realizm ressamları tarafından süssüz bir şekilde sunulur .

Bu sanatçılar dünyayı, insanları, doğayı ve hayvanları gerçekte oldukları gibi göstermeye çalışırlar. Gustave Courbet’nin deyişiyle “sanatın gerçeğe dönüşmesi zorunluluğu”na odaklanılıyor .

Romantizmde olduğu gibi, Realizm de herkes tarafından popüler değildi. Resimler özellikle göze hoş gelmiyor ve bazı eleştirmenler, sanatçının gerçekçilik iddialarına rağmen, erotik sahnelerin bir şekilde gerçek erotizmi kaçırdığı yorumunu yaptı. Goethe, sanatın gerçekçi değil ideal olması gerektiğini söyleyerek Realizmi eleştirir. Schiller de Gerçekçiliği “ortalama” olarak adlandırıyor ve bu da birçok resmin tasvir ettiği sertliğe işaret ediyor.

İzlenimcilik (1850-1895): Modern Sanat Çağının Müjdesi

Tarihçiler genellikle Empresyonist hareketi modern çağın başlangıcı olarak resmederler. İzlenimci sanatın klasik müzik ve diğer klasik sanat biçimleri üzerine kitabı kapattığı söylenir. İzlenimcilik, belki de Kübizm’den sonra en kolay tanınan sanat dönemlerinden biridir. Claude Monet ve Vincent van Gough gibi sanatçıların yer aldığı İzlenimcilik, kendinden önceki birçok sanat dönemini karakterize eden pürüzsüz fırça darbelerinden ve düz renk alanlarından koptu.

Başlangıçta, İzlenimcilik kelimesi sanat dünyasında küfür gibiydi, eleştirmenler bu sanatçıların teknikle resim yapmadıklarına, daha ziyade bir tuval üzerine boya bulaştırdıklarına inanıyorlardı. Fırça darbeleri gerçekten de onlardan önce gelenlerden önemli bir ayrılıştı ve bazen çılgınca vahşileşiyordu. Belirgin şekiller ve çizgiler, bir renk kasırgasında kayboldu. Özellikle empresyonist resimlerin noktacılık çeşitliliğinde, tamamen yeni renklerin bireysel noktaları bir araya getirildi . İzlenimci resimlerin konuları genellikle yalnızca uzaktan tanınabilirdi.

Empresyonist dönemde meydana gelen önemli bir değişiklik, resmin “havada” veya dışarıda yer almaya başlamasıydı. Empresyonist sanatçının doğal dünyanın karmaşık ve sürekli değişen renklerini yakalama yeteneğinin çoğu bu değişimin bir sonucuydu.

İzlenimci sanatçılar da ders verme ve öğretme arzusundan uzaklaşmaya başladılar ve sanat için sanat yaratmayı tercih ettiler. Galeriler ve uluslararası sergiler giderek daha önemli hale geldi.

Sembolizm (1890-1920): Her Zaman Görünenden Daha Fazlası Vardır

Bu dönemde Fransa’da Sembolizm dönemi hakim olmaya başladı. Sanatçılar, duygu ve düşüncelerin nesneler aracılığıyla temsil edilmesiyle meşgul oldular. Sembolizm hareketinin favori temaları ölüm, hastalık, günah ve tutkuydu. Formlar çoğunlukla açıktı, sanat tarihçilerinin Art Nouveau dönemini beklediğine inandıkları bir gerçek.

Art Nouveau (1890-1910): Gustav Klimt’in Saf Altını

Gustav Klimt , Art Nouveau akımının en önemli sanatçısı olmasa da, en tanınmışlarından biridir. Stili, Art Nouveau hareketini yumuşak, kavisli çizgiler, çok sayıda çiçek ve insan figürlerinin stilistik karakterizasyonu ile mükemmel bir şekilde özetliyor. Birçok ülkede bu stil Secession stili olarak bilinir.

Art Nouveau döneminde üretilen sanat, çok fazla simetri içerir ve oyunculuk ve gençlik ile karakterizedir. Art Nouveau’nun pek çok politik içeriği vardır, ancak birçok eleştirmen bunu görmezden gelir ve dekoratif yönleri ona karşı tutar. Art Nouveau dönemi sanatı aracılığıyla sanatçılar doğayı sanayi şehirlerine geri getirmeye çalıştılar.

Dışavurumculuk (1890-1914): Tartışmaya Politik Bir Kenar Getirmek

Dışavurumculuk sanat çağında , öznel duyguların ifadesinin öneminin bir kez daha canlandığını görüyoruz. Bu hareketin içindeki sanatçılar, natüralizm ya da dışarıdan nasıl göründüğü ile ilgilenmiyorlardı. Sonuç olarak, genellikle arkaik ve biraz vahşi olan bazı Ekspresyonist resimlerde belirli bir saldırganlık belirtisi vardır.

Dışavurumculuk Almanya’da ortaya çıktı ve İzlenimciliğe karşıtlık yaratmayı amaçlıyor. Birinci Dünya Savaşı’nın başlangıcına doğru Ekspresyonist resimlerde rahatsız edici bir yoğunluk vardı. İktidarı ve toplumsal düzeni eleştirmeyi amaçlayan Ekspresyonizm, bu politik fikirleri boya aracılığıyla yayar. Sanat politik olmaya başlıyordu.

Kübizm (1906-1914): Her Şeyi Parçalayıp Tekrar Bir Araya Getirmek

İki sanatçı, Pablo Picasso ve Georges Braque ile başlayan Kübist hareket, tamamen parçalanma, geometrik şekiller ve çoklu bakış açılarıyla ilgiliydi. Gündelik nesnelerin boyutsal düzlemleri, farklı geometrik parçalara bölündü ve nesneyi aynı anda birden çok yönden sunacak şekilde tekrar bir araya getirildi.

Kübizm, geleneksel batı resminin tüm kurallarının reddedilmesiydi ve onu takip eden sanat tarzları üzerinde güçlü bir etkisi oldu.

Fütürizm (1909-1945): Sanatsal Anarşizm

Fütürizm, sanatsal bir tarzdan daha az ve daha çok sanatsal olarak ilham alan bir siyasi harekettir. Tommaso Marinetti’nin  sosyal örgütlenmeyi ve Hıristiyan ahlakını reddeden Fütürist Manifestosu tarafından kurulan Fütürist dönem, kaos, düşmanlık, saldırganlık ve öfkeyle doluydu. Marinetti’nin kendisi bir ressam olmasa da, resim Fütürist hareket içinde en belirgin sanat biçimi haline geldi .

Bu sanatçılar, nesiller boyu aktarılan her şeyin (inançlar, gelenekler, din) şüpheli ve tehlikeli olduğuna inanarak Klasik resmin kurallarını şiddetle reddetti. Fütürist hareketin militan doğası, birçok insanın faşizme çok yakın olduğuna inanmasına neden oldu.

Dadaizm (1912-1920): Hayatın Saçma Olduğu Gerçek Gerçek

Dada pek çok şey ifade eder ve hiçbir şey ifade etmez. Yazar Hugo Ball, bu küçük kelimenin farklı dillerde birkaç farklı anlamı olduğunu ve aynı zamanda bir kelime olarak hiçbir şey ifade etmediğini keşfetti. Dadaizm hareketi mantıksızlık ve provokasyon kavramlarına dayanmaktadır ve sadece bir sanat hareketi değil, savaş karşıtı bir hareket olarak görülmüştür.

Mevcut kuralların, normların, geleneklerin ve değerlerin mantıksızlığı Dadaist hareket tarafından sorgulandı. Sanat hareketi, yazı, şiir, dans ve performans sanatı dahil olmak üzere çeşitli sanat formlarını kapsıyordu. Hareketin bir kısmı, “sanat” olarak sınıflandırılabilecek olanı sorgulamaktı.

Dadaizm, resmin gerçekliğin bir portresi olmaktan çok, insan olmanın sosyal, kültürel ve öznel parçalarının bir karışımı haline geldiği aksiyon sanatının başlangıcını temsil eder.

Sürrealizm (1920-1930): Her Şey Daha Tuhaflaşıyor

Dadaizm hareketinin saf mantıksız doğası yeterince tuhaf değilmiş gibi, Sürrealistler rüya dünyasını tüm gerçeklerin kaynağı olarak kabul ettiler. En ünlü Sürrealist sanatçılardan biri Salvador Dali’dir ve onun Erime Saati (1954) adlı resmini mutlaka bilirsiniz.

Sürrealizm temelde psikanalitiktir ve birçok Sürrealist sanatçı doğrudan rüyalarından resim yapar. Bazen rahatsız edici kavramlar, gizli arzular ve tabularla uğraşan Sürrealizm, burjuvazinin kökleşmiş fikir ve inançlarının doğrudan bir eleştirisiydi. Tahmin edebileceğiniz gibi, bu sanat tarzı başladığında popüler değildi, ancak modern sanat dünyasını büyük ölçüde etkiledi.

Yeni Nesnellik’te temsil edilen görüntüler genellikle soğuk, duygusuz ve teknikti; bazı favori konular radyo ve ampullerdi. Sanattaki birçok modern harekette olduğu gibi, Yeni Objektiflik hareketinin de birkaç farklı kanadı vardı.

Yeni Objektiflik (1925-1965): Soğuk ve Teknik

Sürrealistler fiziksel, somut ve görünür nesneler dünyasından uzaklaşmaya çalışırken, Yeni Nesnellik akımı bu fikirlere yöneldi. Yeni Amaç sanatındaki temaların çoğu sosyal eleştirilerdi. Savaşın çalkantısı, birçok insanı tutunacak bir tür düzen aramaya bıraktı ve bu, Yeni Nesnellik sanatında açıkça görülebilir.

Soyut Dışavurumculuk (1948-1962): Avrupa’dan Uzaklaşmak

Soyut Dışavurumculuğun, Avrupa dışında ortaya çıkan ilk sanat hareketi olduğu söylenir. Kuzey Amerika’dan ortaya çıkan Soyut Dışavurumculuk, renk alanı boyama ve aksiyon resimlerine odaklandı. Bir tuval ve fırça kullanmak yerine, yere kovalarca boya dökülecek ve sanatçılar parmaklarını kullanarak görüntü oluşturacaktı.

Marc Tobey ve Jackson Pollock gibi tanınmış sanatçılarla bu sanat hareketi, kendisinden önce gelenlerden farklıydı. Boya uygulaması bazen o kadar kalındı ​​ki, bitmiş parça kendinden önceki herhangi bir tabloya benzemeyen bir form alırdı. Soyut Dışavurumculuk Avrupa’ya yayıldı. Tüm sanatlarda olduğu gibi, soğuk savaş sırasında muhafazakar Amerikalılar tarafından “Amerikalı olmayan” olarak adlandırılan eleştirmenler her zaman vardır.

Pop-Art (1955-1969): Sanat Her Şeydir

Pop-Art sanatçıları için dünyadaki her şey sanattı. Reklamlardan teneke kutulara, diş macununa ve tuvaletlere kadar  her  şey sanattır. Pop-Art, Amerika Birleşik Devletleri ve İngiltere’de eşzamanlı olarak geliştirildi ve tek tip renk blokları ve net çizgiler ve konturlarla karakterize edildi. Resim ve grafik sanatı, fotogerçekçilik ve seri baskılardan etkilendi. En ünlü İngiliz Pop sanatçılarından biri David Hockney’dir, ancak yaşamı boyunca yaptığı resimlerin sadece birkaçı bu harekette yer almıştır.

Sanat, insan olmanın ne anlama geldiğinin temel bir parçasıdır. Yaşadığımız sıkıntıların ve sevinçlerin çoğu ancak sanatsal ifadeyle doğru bir şekilde yakalanabilir. Sanat dönemleri zaman çizelgesinin bu kısa özetinin, insan ırkı tarafından yaratılan en ünlü sanat eserlerinden bazılarını çevreleyen bağlamlar hakkında biraz daha fikir edinmenize yardımcı olduğunu umuyoruz.

Neo-Ekspresyonizm (1980-1989): Modern Sanat

1980’lerden başlayarak, Neo-Ekspresyonizm, geniş formatlı temsili ve yaşamı onaylayan resimlerle ortaya çıktı. Berlin bu yeni hareket için merkezi bir noktaydı ve tasarımlar tipik olarak şehirleri ve büyük şehir yaşamını içeriyordu. Neo-Ekspresyonizm adı Fovizm’den geldi ve 1989’da Berlin’deki sanatçılar dağılsa da bazı sanatçılar New York’ta bu tarzda resim yapmaya devam etti.